Antonio Canova, sculpeur néoclassique moderne

Antonio Canova (1757 –1822) est le plus important sculpteur néoclassique de la fin du XVIIIe siècle. Restaurateur de la beauté de l’Antiquité grecque au sein de l’école italienne, Canova n’eut quasiment pas de rivaux durant sa carrière, à l’exception du sculpteur danois Thorvaldsen. Ses marbres, aux contours purs et aux formes élégantes, revisitent l’Antiquité avec volupté et souplesse. D’une grande virtuosité technique, il cultiva l’idéal physique autant que moral.
En admirant les statues les plus célèbres d’Antonio Canova, qui incluent Psyché réanimée par le baiser de Cupidon (1787) et Persée avec la tête de Méduse (1804-6), nous sommes immédiatement frappés par la beauté immaculée et l’harmonie qu’elles transmettent. Le néoclassicisme, le mouvement artistique et culturel dans lequel il a joué un rôle clé, est connu pour rétablir la pureté et l’harmonie de l’antiquité classique après les œuvres trop décorées avec des lignes d’action tordues de l’époque baroque et rococo. C’était l’époque de la redécouverte de Pompéi et d’Herculanum, et, globalement, le néoclassicisme était une renaissance des styles de l’antiquité classique. Pourtant, sous le vernis de la beauté et de l’harmonie classiques, Canova était un grand innovateur qui apprenait de l’histoire tout en modernisant la sculpture.
Tout a commencé à Rome à la fin du 18ème siècle. Malgré la présence florissante d’autres villes d’art dans le monde entier, comme Londres et Paris, Rome avait encore une grande importance pour l’éducation d’un artiste. Tout au long du XVIIIe siècle, des trésors archéologiques ont continué à émerger dans la région, des musées étaient en cours d’établissement. Rome était l’école d’art en plein air ou immersive de l’Europe. Des gens du monde entier se rendaient à Rome à des fins d’étude, avec une attention concentrée sur l’antiquité.
Dans ce milieu, Antonio Canova est crédité pour avoir relancé la sculpture comme genre artistique. Quand il est arrivé à Rome en 1780, il n’y avait pas de sculpteur superstar comparable à des figures célèbres comme Michel-Ange ou le Bernin. Ses concurrents étaient ceux qui restauraient des statues antiques. Mais Canova ne s’est jamais intéressé à la restauration. Il est devenu un inventeur de la sculpture moderne, bien qu’il se soit inspiré de l’antiquité. La sculpture de Canova est une démonstration de virtuosité et de sensualité qui n’est pas très éloignée des maîtres maniéristes et baroques.
En premier lieu, Canova a provoqué une révolution technique et spatiale : il ne subordonnait plus son travail à une architecture préexistante. Ses statues n’étaient pas destinées à tenir dans des niches. Elles devaient être placées au centre d’une pièce afin d’être le point focal d’un espace. Ses sculptures sont ancrées à la fois dans le mouvement et dans l’idée qu’une œuvre d’art doit être examinée d’un point de vue à 360 degrés. Cela pouvait être réalisé de plusieurs manières : on pouvait soit marcher autour d’une statue, soit faire tourner la statue elle-même, grâce à un engin mécanique placé à sa base et alimenté par un mécanisme de remontage. Alternativement, les statues ont été placées devant des miroirs pour encourager deux perspectives simultanées. 
Canova était également unique dans le rendu du mouvement, à la fois dans la pure physicalité du corps humain et dans la façon dont le tissu lui-même drapait dessus ou se balançait. 
Il doit sa grandeur et son originalité à sa capacité à se déplacer harmonieusement entre les genres en sculpture, même compliquées comme les monuments funéraires, les sujets liés à la mythologie, où il maîtrisait le nu féminin autant que le nu masculin. Pour ses œuvres plus masculines, il a dû faire face à l’héritage du célèbre nu héroïque.
Au début de sa carrière, il a évolué vers un type de nudité masculine qui évitait l’étalage de sujets trop musclés et hyper-masculins. Pourtant, en 1801, il voulait montrer à quel point sa source d’inspiration était universelle en représentant un sujet héroïque, à savoir Persée. En utilisant l’Apollon du Belvédère comme modèle, il a créé une statue dont le physique incarne l’équilibre entre grâce et athlétisme.
 

Tout a commencé à Rome à la fin du 18ème siècle. Malgré la présence florissante d’autres villes d’art dans le monde entier, comme Londres et Paris, Rome avait encore une grande importance pour l’éducation d’un artiste. Tout au long du XVIIIe siècle, des trésors archéologiques ont continué à émerger dans la région, des musées étaient en cours d’établissement. Rome était l’école d’art en plein air ou immersive de l’Europe. Des gens du monde entier se rendaient à Rome à des fins d’étude, avec une attention concentrée sur l’antiquité.
Dans ce milieu, Antonio Canova est crédité pour avoir relancé la sculpture comme genre artistique. Quand il est arrivé à Rome en 1780, il n’y avait pas de sculpteur superstar comparable à des figures célèbres comme Michel-Ange ou le Bernin. Ses concurrents étaient ceux qui restauraient des statues antiques. Mais Canova ne s’est jamais intéressé à la restauration. Il est devenu un inventeur de la sculpture moderne, bien qu’il se soit inspiré de l’antiquité. La sculpture de Canova est une démonstration de virtuosité et de sensualité qui n’est pas très éloignée des maîtres maniéristes et baroques.
En premier lieu, Canova a provoqué une révolution technique et spatiale : il ne subordonnait plus son travail à une architecture préexistante. Ses statues n’étaient pas destinées à tenir dans des niches. Elles devaient être placées au centre d’une pièce afin d’être le point focal d’un espace. Ses sculptures sont ancrées à la fois dans le mouvement et dans l’idée qu’une œuvre d’art doit être examinée d’un point de vue à 360 degrés. Cela pouvait être réalisé de plusieurs manières : on pouvait soit marcher autour d’une statue, soit faire tourner la statue elle-même, grâce à un engin mécanique placé à sa base et alimenté par un mécanisme de remontage. Alternativement, les statues ont été placées devant des miroirs pour encourager deux perspectives simultanées. 
Canova était également unique dans le rendu du mouvement, à la fois dans la pure physicalité du corps humain et dans la façon dont le tissu lui-même drapait dessus ou se balançait. 
Il doit sa grandeur et son originalité à sa capacité à se déplacer harmonieusement entre les genres en sculpture, même compliquées comme les monuments funéraires, les sujets liés à la mythologie, où il maîtrisait le nu féminin autant que le nu masculin. Pour ses œuvres plus masculines, il a dû faire face à l’héritage du célèbre nu héroïque.
Au début de sa carrière, il a évolué vers un type de nudité masculine qui évitait l’étalage de sujets trop musclés et hyper-masculins. Pourtant, en 1801, il voulait montrer à quel point sa source d’inspiration était universelle en représentant un sujet héroïque, à savoir Persée. En utilisant l’Apollon du Belvédère comme modèle, il a créé une statue dont le physique incarne l’équilibre entre grâce et athlétisme.
 

À partir de son Persée il a embrassé le nu héroïque : et bien que son Persée ait été critiqué—étant appelé un Apollon déguisé — Canova était également très habile dans ce domaine. Ses nus masculins étaient très modernes pour leur époque : son monumental Hercule et Lichas (1795), qui représente Hercule alors qu’il affronte son serviteur perfide Lichas pour lui avoir présenté des vêtements empoisonnés, présente une ligne d’action extraordinaire. Il y a une incroyable démonstration de musculature dans sa représentation du mouvement tourbillonnant d’Hercule en train de lancer Lichas et de le tuer par la suite.
Cela le différencie du répertoire traditionnel associé au nu héroïque, car il dépeint un sentiment de terreur et une énergie cinétique à peine contenue. Dans Hercule et Lichas, en représentant Lichas sur le point d’être jeté à la mer, il rend l’explosion imminente de force et d’énergie et le dynamisme d’une manière qui anticipe ce que Rodin fera plus tard.
Canova était plus qu’un fervent admirateur de l’antiquité classique et ouvrait en fait l’avenir de la sculpture.